El títere en el contexto de los estudios decoloniales (parte 1) The puppet in the context of decolonial studies (part 1)

 

El títere como instrumento lúdico y didáctico ofrece una perspectiva singular sobre las relaciones de poder, la opresión y las formas de resistencia dentro de las estructuras coloniales. A lo largo de la historia, los títeres han sido utilizados ya sea como medios de expresión popular y/o como herramientas de subversión, ya que permiten a los titiriteros jugar con representaciones simbólicas de figuras de autoridad, política y culturas dominantes. En muchas ocasiones, el títere ha servido para realizar críticas sociales, dando voz a los que han sido silenciados por las estructuras coloniales.

Bajo una visión decolonial, el uso de los títeres puede ser visto como una forma de resistencia cultural, ya que permite a las comunidades recuperar narrativas propias y subvertir las imposiciones coloniales. 

Los títeres, al ser manipulados por quienes controlan el espacio y el discurso, pueden convertirse en un vehículo para deshacer las lógicas coloniales de poder, de una manera más accesible, directa y lúdica. Además, al tratarse de figuras pertenecientes a un mundo imaginario, los títeres pueden facilitar el distanciamiento entre el títere y la realidad, que permite una crítica más libre y creativa a las normas sociales y políticas impuestas.

En este sentido, el arte de los títeres en los estudios decoloniales puede servir para explorar cómo las sociedades colonizadas han utilizado diversas formas de arte popular, como el teatro de títeres, para crear una contra-narrativa que cuestiona el orden establecido y afirman identidades y culturas propias.

En este caso y a manera de caso de estudio se busca desglosar las características del personaje de Lucelly, como una propuesta de títeres que busca visibilizar la importancia de dar voz a las niñas, a partir de la creación de la compañía Teatro ExPreSS sobre la obra: "Tengo un monstruo en el bolsillo” de Graciela Montes. En dónde la mirada colonial sobre las niñas, sus sentimientos y la importancia de expresarlos se vuelven el tema central.

La Obra

El texto de Graciela Montes “Tengo un monstruo en el bolsillo” fue parte de una colección de obras literarias para niñeces en edades lectoras, que editó la Secretaría de Educación Pública de México en el año 1995. Una colección llamada los libros del rincón, que eran libros que obligatoriamente se ubicaban dentro del salón de clases de las primarias públicas del país. El mensaje de obra ya rompía parámetros establecidos (antes de obtener el texto dramático) :

El personaje principal es una niña de nueve años que a manera de diario cuenta sus vivencias. La autora busca darle voz a las niñas (acaso pre-adolescentes) en la que nos muestra los primeros sentimientos de amor hacia otro personaje de su edad, la importancia del diálogo en el entorno familiar, incluso fomentado por el padre, rompiendo roles de género.

Posteriormente al convertirse en un texto dramático por parte de la compañía Teatro ExPreSS, se resaltan las siguientes situaciones que dan cuenta de la visión decolonial sobre el personaje y la obra en general: 

El personaje imaginario (el monstruo) es la metáfora hacia aquello que nos sucede y no hablamos (por pena, miedo, y porque así hemos sido educadas desde una visión patriarcal) como lo plantean en la obra porque “el monstruo” va creciendo alimentado por el silencio (y otras cosas) y en dónde la única forma de hacerlo pequeño es hablando de él, es decir hablando del problema. 

La obra cuenta con la protagonista de la obra: Lucelly y en torno a ella los personajes que acompañan sus historias: mamá, papá, abuela, profesora, Daniela y Verónica. Siendo casi una absoluta visión femenina. Busca el rompimiento de la cuarta pared y propicia aún más un acercamiento natural con el público, en dónde la reflexión se vuelve grupal y una vez más se le da voz al pensamiento de los espectadores. Se resalta en el personaje de la abuela la importancia de escuchar a las personas mayores, a fomentar entre las familias el poder dedicar el tiempo de calidad a las niñeces, escuchandoles, combatiendo con la cultura de la prisa, del consumismo y de la falta de diálogo en el entorno familiar, muchas veces ignorado por el mundo digital en el que vivimos actualmente. 

Dentro de la obra otro guiño descolonizador, por llamarlo de alguna manera, se observa a través de lo que Walter Mignolo explica sobre la estética, como ciencia de la belleza que “colonizó” la facultad de percepción sensorial. Precisamente la palabra griega aisthesis , de donde proviene la palabra estética, hace referencia a la facultad de percibir y sentir, en este caso la obra rompe con parámetros establecidos (dibujos realizados genuinamente por niñeces de 6 años, diferencias de escalas etc) Igualmente el filósofo argentino-mexicano Enrique Dussel llamó el “mito de la Modernidad”, los orígenes de la estética (y del Arte como cuestión práctica) en dónde busca visibilizar cómo se excluyeron las historias y creaciones de otras poblaciones.

The puppet in the decolonial studies (part 1)

Puppetry as a playful and didactic tool offers a unique perspective on power relations, oppression and forms of resistance within colonial structures. Throughout history, puppets have been used either as a means of popular expression and/or as tools of subversion, as they allow puppeteers to play with symbolic representations of authority figures, politics and dominant cultures. On many occasions, puppetry has served as a means of social critique, giving voice to those who have been silenced by colonial structures.

Under a decolonial vision, the use of puppets can be seen as a form of cultural resistance, as it allows communities to recover their own narratives and subvert colonial impositions. 

Puppets, when manipulated by those who control space and discourse, can become a vehicle to undo colonial logics of power, in a more accessible, direct and playful way. Moreover, as figures belonging to an imaginary world, puppets can facilitate the distancing between puppet and reality, which allows for a freer and more creative critique of imposed social and political norms.

In this sense, puppet art in decolonial studies can serve to explore how colonized societies have used various forms of popular art, such as puppet theater, to create a counter-narrative that questions the established order and affirms their own identities and cultures.

In this case and as a case study, we seek to break down the characteristics of Lucelly's character, as a puppet proposal that seeks to make visible the importance of giving a voice to girls, based on the creation of the Teatro ExPreSS company on the play: "I have a monster in my pocket" by Graciela Montes. Where the colonial gaze on girls, their feelings and the importance of expressing them become the central theme.

The text by Graciela Montes “I have a monster in my pocket” was part of a collection of literary works for children of reading ages, published by the Ministry of Public Education of Mexico in 1995. A collection called the corner books, which were books that were obligatorily located within the classroom of the country's public primary schools. The message of the work already broke established parameters (before obtaining the dramatic text):

The main character is a nine-year-old girl who recounts her experiences as a diary. The author seeks to give a voice to girls (perhaps pre-adolescents) in which she shows us the first feelings of love towards another character their age, the importance of dialogue in the family environment, even encouraged by the father, breaking gender roles.

Later, when it became a dramatic text by the Teatro ExPreSS company, the following situations are highlighted that reflect the decolonial vision of the character and the work in general: 

The imaginary character (the monster) is the metaphor for what happens to us and we do not talk about (out of sadness, fear, and because we have been educated from a patriarchal vision) as stated in the play because “the monster” grows fed by silence (and other things) and where the only way to make it small is by talking about it, that is, talking about the problem.

The play features the protagonist of the play: Lucelly and around her the characters that accompany her stories: mom, dad, grandmother, teacher, Daniela and Veronica. Being almost an absolute feminine vision. Seeks to break the fourth wall and encourages even more a natural approach with the audience, where reflection becomes group and once again gives voice to the thoughts of the spectators. The grandmother's character highlights the importance of listening to the elderly, to encourage families to devote quality time to children, listening to them, fighting the culture of haste, consumerism and lack of dialogue in the family environment, often ignored by the digital world in which we live today. 

Within the work, another decolonizing nod, so to speak, is observed through what Walter Mignolo explains about aesthetics, as a science of beauty that “colonized” the faculty of sensory perception. Precisely the Greek word aisthesis, from which the word aesthetics comes, refers to the faculty of perceiving and feeling, in this case the work breaks with established parameters (drawings genuinely made by 6-year-old children, differences in scales, etc.) Likewise, the Argentine-Mexican philosopher Enrique Dussel called the “myth of Modernity”, the origins of aesthetics (and of Art as a practical matter) where he seeks to make visible how the stories and creations of other populations were excluded.

Teatro ExPreSS celebra 20 años de hacer teatro.

Queridxs amigxs, colaboradores, y público:

Este año es un año especial. Un año que marca dos décadas de sueños, esfuerzos, luchas y, por supuesto, teatro. Veinte años no es un número pequeño; son 20 años de historias contadas desde el escenario, de historias vividas en cada ensayo, de historias que, como el buen teatro, nos han transformado y nos han unido.

Hace 20 años, un grupo de jóvenes de la Universidad Veracruzana (México) decidió dar un paso valiente, un paso hacia lo incierto, pero lleno de pasión y convicción. ¿Quién hubiera imaginado que de aquella primera actuación en el baño de la facultad surgiría un camino tan profundo y significativo? De un grupo con pocos recursos, con muchos sacrificios, nació un proyecto que, con el tiempo, se convertiría en parte fundamental de mi vida artística.

Hoy celebramos no sólo el trabajo de quienes han estado aquí desde el principio, sino también las aportaciones y el amor de todxs lxs que se han sumado en el camino, cada actriz, cada actor, cada técnico, cada espectador que ha sido parte de esta historia. Porque el teatro es un reflejo de todos nosotros: de lo que somos, de lo que sentimos, de lo que soñamos, de lo que necesitamos contar. Y ustedes, queridxs amigxs, han sido los testigxs, lxs cómplices, lxs portadorxs de esta llama que nunca se apaga.

Es un honor poder decir que juntos hemos atravesado retos, dificultades y, sobre todo, momentos de enorme satisfacción y alegría. Hemos explorado temas profundos, desafiado convenciones, experimentado nuevas formas de expresión y, sobre todo, hemos mantenido la autenticidad como nuestro faro. Porque este teatro, nuestro teatro, no depende de grandes producciones ni de fórmulas comerciales. Depende de las historias que nacen en el alma y que se comparten con quienes se atreven a escucharlas.

Hoy celebramos mucho más que 20 años de teatro. Celebramos 20 años de libertad creativa, de compromiso con nuestra comunidad, de amor por el arte. Cada uno de ustedes ha sido parte fundamental de esta historia. Sin el público, sin lxs colaboradorxs, sin lxs amigxs que nos han apoyado desde el primer día, nada de esto sería posible. Y a ustedes, les estoy profundamente agradecida.

No sabemos qué nos depara el futuro, pero sabemos que, mientras sigamos caminando, el teatro seguirá siendo nuestro lenguaje, nuestra voz, nuestra forma de conectarnos con el mundo. El futuro nos llama, y lo recibimos con la misma pasión con la que iniciamos este camino.

Gracias a todxs por ser parte de estos 20 años de magia, emoción y vida. Que los aplausos resuenen, no sólo en este momento, sino en cada corazón que este proyecto ha tocado.

¡Por el teatro, por la vida, por los próximos 20 años!

Luzelena Cortés Altamirano. Directora Teatro ExPreSS.

----------------------------------------------------------

Dear friends, collaborators, artists and audience:

This year is a special year. A year that marks two decades of dreams, efforts, struggles and, of course, theater. Twenty years is not a small number; it is 20 years of stories told from the stage, of stories lived in each rehearsal, of stories that, like good theater, have transformed us and united us.

Twenty years ago, a group of young people at the Universidad Veracruzana (Mexico) decided to take a brave step, a step towards the uncertain, but full of passion and conviction. Who would have imagined that from that first performance in the faculty bathroom such a deep and meaningful path would emerge? From a group with few resources, with many sacrifices, a project was born that, over time, would become a fundamental part of my artistic life.

Today we celebrate not only the work of those who have been here from the beginning, but also the contributions and love of all those who have joined along the way, every actor, every technician, every spectator who has been part of this story. Because the theatre is a reflection of all of us: what we are, what we feel, what we dream, what we need to tell. And you, dear friends, have been the witnesses, the accomplices, the bearers of this flame that never goes out.

It is an honour to be able to say that together we have gone through challenges, difficulties and, above all, moments of enormous satisfaction and joy. We have explored profound themes, challenged conventions, experimented with new forms of expression and, above all, we have maintained authenticity as our beacon. Because this theatre, our theatre, does not depend on large productions or commercial formulas. It depends on the stories that are born in the soul and that are shared with those who dare to listen to them.

Today we celebrate much more than 20 years of theatre. We celebrate 20 years of creative freedom, of commitment to our community, of love for art. Each one of you has been a fundamental part of this story. Without the public, without the collaborators, without the friends who have supported us from day one, none of this would be possible. And to you, we are deeply grateful.

We do not know what the future holds for us, but we know that, as long as we continue walking, the theater will continue to be our language, our voice, our way of connecting with the world. The future calls us, and we welcome it with the same passion with which we began this journey.

Thank you all for being part of these 20 years of magic, emotion and life. May the applause resonate, not only at this moment, but in every heart that this project has touched.

For the theater, for life, for the next 20 years!

Luzelena Cortés Altamirano. Director Teatro ExPreSS.

Taller de producción escénica

Como parte de los Estímulos ofertados por la Dirección de Cultura del municipio de Chía Cundinamarca: "Lunarte" se desprende el Taller de producción escénica: "De la idea a la escena" compartido por Luzelena Cortés Altamirano.-Directora de la Compañía Teatro ExPreSS desde el 2005. 

Se llevará a cabo a partir del día 3 de Octubre del 2022 hasta el 24 de Octubre: Lunes y Viernes de 4:00 a 6:00 pm en los espacios escénicos más emblemáticos de Chía: Teatro Fahrenheit, Baca Teatro e iniciando: La Casita Fagua. 

Para mayores informes: 319 5564861

Facebook: Teatro ExPreSS

Investigadoras de las Artes Escénicas: imprescindibles rescatistas de procesos. Researchers of the Performing Arts: essential rescuers of processes.

RECOLECTORAS DE FRAGMENTOS EN ARGENTINA

En el marco de las 4ta charlas del ciclo Mujeres Investigando en el archivo del Instituto Nacional de Estudios de Teatro INET de Buenos Aires, Argentina; descubrí información muy valiosa en relación a la historia, a las acciones y a las vertientes generadoras que surgen de estas grandes investigadoras argentinas y que las llevan a recolectar instantes profundos y transformadores de la vida escénica en su país. Un gran desafío por parte de cada ponente y del Instituto para brindar todo el apoyo a sus respectivas investigaciones y mejor aún, informar de sus resultados.

Se compartieron los trabajos de investigación de Lía Noguera, Malena Grasiosi, Laura Gómez y Camila Losada, de los cuales tuve la oportunidad de estar en tres de ellos (lamente esa falta, cada ponencia trae consigo un mar de información y múltiples esfuerzos de cada una de estas mujeres, que simplemente se contagia) He aquí una de las ventajas de la virtualidad y sus posibilidades: el poder escuchar de viva voz de quien se apasiona por un tema y lo lleva al papel para dejar registro, de esta manera, de aquello que se pudo perder en el tiempo, pero que con su labor al investigar, traen al presente y dejan para el futuro una parte de la historia que nos conforma como artistas, creadoras, e investigadoras.

FRAGMENT COLLECTORS IN ARGENTINA

Within the framework of the 4th talks of the Women Investigating cycle in the archive of the National Institute of Theater Studies INET of Buenos Aires, Argentina; I discovered very valuable information in relation to the history, the actions and the generating aspects that arise from these great Argentine researchers and that lead them to collect profound and transforming moments of stage life in their country. A great challenge on the part of each speaker and the Institute to provide full support to their respective research and better yet, report their results.

The research works of Lía Noguera, Malena Grasiosi, Laura Gómez and Camila Losada were shared, of which I had the opportunity to be in three of them (regret that lack, each presentation brings with it a sea of information and multiple efforts of each one of these women, which is simply contagious) Here is one of the advantages of virtuality and its possibilities: being able to hear out loud from someone who is passionate about a subject and takes it to paper to record, in this way, that that could have been lost in time, but that with their work when investigating, they bring to the present and leave for the future a part of the history that shapes us as artists, creators, and researchers.

LA MUJER POR LA MUJER

El proceso que viví al ser parte de este foro de mujeres creadoras y creativas, me deja pensando en la importancia de visibilizarnos como investigadoras y lo imprescindible que se vuelve mostrar el trabajo que han realizado múltiples mujeres en las artes escénicas a lo largo del tiempo. Por ello me emociona aún más haber podido escucharles y discutir el rol y las actuaciones de las mujeres dentro de la Familia Podestá, en la música escénica con sus creadoras y en el circo con los hermanos Videla. 

Observo la manera en que retomamos el lugar que nos correspondió siempre y que ahora, muchos años después, traemos a la mesa para compartir a plena luz de aquello que hicieron y manifestaron estas grandes mujeres*; dándole un lugar, sentido y pertenencia a la presencia femenina en las artes escénicas del siglo XXI.

THE WOMAN FOR THE WOMAN

The process that I lived through being part of this forum of creative and creative women, leaves me thinking about the importance of making ourselves visible as researchers and how essential it is to show the work that multiple women have done in the performing arts over time. For this reason, I am even more excited to have been able to listen to them and discuss the role and performances of women within the Podestá Family, in stage music with its creators and in the circus with the Videla brothers.

I observe the way in which we return to the place that always corresponded to us and that now, many years later, we bring to the table to share in full light of what these great women * did and manifested; giving a place, meaning and belonging to the female presence in the performing arts of the 21st century.

MUCHO POR DECIR Y HACER

Las jornadas de las sesiones se vuelven entrañables por aquello que nos interpela a la distancia y que sentimos cerca, me queda la sensación de que esto es apenas un abrebocas para lo que esta por venir en muchos aspectos en la investigación escénica en América Latina desde la visión femenina; se esta poniendo el micrófono en voces que por muchos años han sido omitidas en la historia.

Con cada ponencia sentía la necesidad de hacer una pausa para adentrarnos más en lo que significó todo el trabajo realizado, pero el tiempo, incluso en modalidad virtual, se hace poco, y me quedo corta al tratar de describir el material histórico que nos compartieron, fue un recorrido de una parte muy importante de la escena Argentina y es muy reconfortante reconocer lo que cada una aporto en mi. 

Con mucho por delante estas investigadoras dejan claro que, con su trabajo construyen un presente que sin duda alguna resonara con fuerza en el futuro.

 A LOT TO SAY AND DO

The days of the sessions become endearing because of what challenges us from a distance and that we feel close to, I have the feeling that this is just an appetizer for what is to come in many aspects in stage research in Latin America from the feminine vision; the microphone is being put on voices that for many years have been omitted from history.

With each presentation, I felt the need to pause to delve deeper into what all the work done meant, but time, even in virtual mode, is not long ago, and I fall short when trying to describe the historical material that they shared with us, It was a tour of a very important part of the Argentine scene and it is very comforting to recognize what each one contributed to me.

With much ahead, these researchers make it clear that, with their work, they build a present that will undoubtedly resonate strongly in the future.

*Les recomendamos revisar el material que se encuentra en el siguiente link y que revela personalidades y creaciones escénicas necesarias y disfrutables para todo imaginario del artista-investigador escénico:

* We recommend that you review the material found in the following link and that reveals personalities and scenic creations that are necessary and enjoyable for every imaginary of the scenic artist-researcher:

https://www.youtube.com/channel/UCuPb9rY1sUX2Y9oLH82sXGA

Generador@s de Ternura: Artivistas, Performancer@s y Luchador@s Amoros@s

NADA QUE PERDER, SOLO AMAR

Donde una sociedad se derrumba, somos nosotr@s, l@s rot@s... aquellos quienes hemos dado alguna vez todo por perdido, y ya no tememos perder,  somos quienes luchamos insistiendo por mejorar el mundo; porque solo el amor y la ternura, la escucha profunda y la mirada comprensiva para los otros nos salvará, o al menos nos dará tiempos de paz, tan necesaria y urgente en nuestros días. 

Dice la crianza amorosa que un infante al recibir amor y cariños activa partes importantes en su cerebro, conexiones sinápticas que se vuelven fundamentales para el desarrollo y capacidad cognoscitiva para toda la vida, y por el contrario, un ser que vive humillaciones, castigos y golpes desde temprana edad, puede llegar a tener trastornos irreversibles (que con el tiempo derivan en  adultos con problemas para vincular amor-escucha y empatía con sus semejantes). ¿Qué tan difícil resulta dar una mirada, una sonrisa?, dialogar y escucharnos con eso: con el cuerpo, con el alma, con ternura radical. 

NOTHING TO LOSE, JUST LOVE

Where a society collapses, we are the broken ones ... those who have once given everything for lost, and we no longer fear losing, we are the ones who fight insisting on improving the world; because only love and tenderness, deep listening and an understanding look for others will save us, or at least give us times of peace, so necessary and urgent in our days.

The loving upbringing says that an infant when receiving love and affection activates important parts in his brain, synaptic connections that become fundamental for development and cognitive capacity for life, and on the contrary, a being that experiences humiliations, punishments and blows From an early age, it can have irreversible disorders (which over time lead to adults with problems to link love-listening and empathy with their peers). How difficult is it to give a look, a smile? To dialogue and listen to ourselves with that: with the body, with the soul, with radical tenderness.

                          

Acciones realizadas en el taller de Ternura Radical impartido por Lía García y Canuto Roldán* a través de la Universidad Veracruzana. Mayo 2021.

VIDA QUE SE VUELVE ARTE

A veces un@ aprende con la experiencia, a veces no... a veces sin comprender ya estas hablando con extrañ@s y se vuelven una cofradía; así fue la experiencia junto a Lía y Canuto...* su trabajo habla por si solo, son artistas porque son ellos, es su búsqueda intensa por vivir o sobre-vivir muchas veces... un constate renacer que vitaliza mis sentidos y me pone a buscar dentro de mí, y me cuestiona y me confronta y... eso es poder dar una mirada al interior de sus vivencias que se vuelven arte, que concientizan así: poético y mordaz a la vez... y entonces no hay forma de escapar, te tocan...te trans-tocan.

De ahí su magia y su poder, por ello es tan valioso su compartir; se muestran tan generosos para obsequiar sus experiencias y procesos que entonces les conocemos, y nos detonan acciones-creaciones artísticas que se vuelven imprescindibles porque son resultado de nuestra propia escucha, nos hacen voltear a mirar nuestro interior que solo a través del arte es posible confrontar y amar.

LIFE THAT BECOMES ART

Sometimes one learns with experience, sometimes not ... sometimes without understanding you are already talking to strangers and they become a brotherhood; this was the experience with Lía and Canuto ... * their work speaks for itself, they are artists because they are them, it is their intense search to live or survive many times ... a constant rebirth that vitalizes my senses and me he searches within me, and questions me and confronts me and ... that is to be able to take a look inside his experiences that become art, that raise awareness like this: poetic and scathing at the same time ... and then there is no way to escape, they touch you ... they trans-touch you.

Hence its magic and its power, that is why its sharing is so valuable; They are so generous to give away their experiences and processes that we then know them, and they detonate artistic actions-creations that become essential because they are the result of our own listening, they make us turn to look at our interior that only through art is it possible to confront and love.

*Más información de su trabajo en: 

https://infanciastrans.org/wp-content/uploads/2021/01/Careta-Caretita.pdf

https://www.instagram.com/cucaracha_debarrio/?hl=es

https://es.wikipedia.org/wiki/L%C3%ADa_Garc%C3%ADa 

https://www.arteinformado.com/guia/f/lia-garcia-la-novia-sirena-201916

   

Seminario Permanente de Circo Social: Resistencia, Arte y Compromiso. Permanent Seminar on Social Circus: Resistance, Art and Commitment.

 

EL CIRCO PARA CRECER-CREAR

Desde Febrero de este año tuve la oportunidad de acceder al Seminario Permanente de Circo Social, impartido por Anarama, con la colaboración del Centro Cultural España en México; y quiero compartir un poco de esta experiencia que es por demás humanizadora y artística al mismo tiempo. 

Durante cada sesión se nos ha guiado de la mano para adentrarnos en la complejidad del circo social, desde los derechos humanos que tod@s tenemos para ser participes del arte y la cultura, hasta las metodologías propias para sistematizar nuestro trabajo. 

Han sido el compromiso de los ponentes y las coordinadoras, lo que ha llevado a enseñarnos tan paciente y concienzudamente las pautas para bordar ese tejido social que sabemos descompuesto; hemos visto como a partir de experiencias personales, casos de éxito y mucho trabajo han sido posibles re-generar procesos de crecimiento personal, logrado por las diversas disciplinas que cubren las artes circenses. 

Si bien, no se busca convertir en artistas a l@s participantes de estos procesos (aunque hay artistas que se formaron al interior de estas valiosas iniciativas) si es a través del arte y sus retos (la disciplina, la confianza, el trabajo en equipo, etc.) que se han logrado accionar múltiples proyectos de relevancia internacional. Estas propuestas han modificado conductas violentas en ciertos sectores o  en comunidades en donde el circo social ha tenido un gran impacto, de ahí su importancia al reconocerlas y promoverlas.

THE CIRCUS TO GROW-CREATE

Since February of this year I had the opportunity to access the Permanent Seminar of Social Circus, given by Anarama, with the collaboration of the Spain Cultural Center in Mexico; and I want to share a bit of this experience that is humanizing and artistic at the same time.

During each session we have been guided by the hand to delve into the complexity of the social circus, from the human rights that we all have to participate in art and culture, to our own methodologies to systematize our work.

It has been the commitment of the speakers and the coordinators, which has led them to teach us so patiently and conscientiously the guidelines to embroider that social fabric that we know is broken; We have seen how from personal experiences, success stories and a lot of work it has been possible to re-generate processes of personal growth, achieved by the various disciplines that cover the circus arts.

Although, it is not intended to turn the participants of these processes into artists (although there are artists who were trained within these valuable initiatives) if it is through art and its challenges (discipline, trust, teamwork , etc.) that have managed to launch multiple projects of international relevance. These proposals have modified violent behaviors in certain sectors or in communities where the social circus has had a great impact, hence their importance in recognizing and promoting them.

TRABAJAR MÁS ALLÁ DEL RESULTADO

En el Circo Social el proceso es vital, a diferencia del Circo tradicional (en donde, quizá lo más importante es la pericia, limpieza y perfección para ejecutar un acto) aquí es el negociar el día a día, y es fundamental el acompañar con bastante escucha a cada participante; sabiendo que su proceso es único, pedagógico sin buscar un resultado inmediato y sobre todo que tiene un objetivo esencial: aportar lo mejor de las artes circenses para buscar estar mejor; o al menos eso he sentido en esta experiencia tecno-vivial en donde he podido compartir con aquell@s que han logrado conectar con otros seres humanos y que encontraron en el circo una posibilidad para ayudar a visualizar una  oportunidad diferente de vida.

Obviamente que para continuar y difundir el proceso que se lleva a cabo al interior de una agrupación de circo social es necesario mostrarlo (a la comunidad, barrio o población con la que se trabaja) Presentar lo aprendido durante las sesiones de entrenamiento no solo nos vincula con las familias de l@s participantes a los talleres (lo que lo vuelve mas significativo) si no que da cuenta del proceso y su importancia más allá del resultado, volcando en la culminación la oportunidad para cada integrante de sentirse escuchad@, valorad@ y siendo parte importante de un todo (la muestra o función)

WORK BEYOND RESULT

In the Social Circus the process is vital, unlike the traditional Circus (where, perhaps the most important thing is the expertise, cleanliness and perfection to execute an act) here is to negotiate the day to day, and it is essential to accompany with enough listen to each participant; knowing that its process is unique, pedagogical without seeking an immediate result and above all that it has an essential objective: to contribute the best of the circus arts to seek to be better; or at least that is what I have felt in this techno-living experience where I have been able to share with those who have managed to connect with other human beings and who found in the circus a possibility to help visualize a different life opportunity.

Obviously, in order to continue and disseminate the process that is carried out within a social circus group, it is necessary to show it (to the community, neighborhood or population with which it works) Presenting what has been learned during the training sessions does not only link us with the families of the participants in the workshops (which makes it more significant) if not that it gives an account of the process and its importance beyond the result, giving at the end the opportunity for each member to feel heard, valued. and being an important part of a whole (the show)

ACCIONAR CON UNA PROPUESTA HONESTA

Detrás del conocimiento aportado por cada ponente hay mucha experiencia y trabajo; han compartido lo mejor y lo peor de sus proyectos, haciendo que me sienta más cercana y segura de querer intentar replicar procesos y registrarlos. Estamos mas allá de la mitad para concluir la experiencia del seminario, y han sido tantas herramientas las que me llevo, que no quiero dejar pasar la oportunidad de reflexionar y proponer desde lo que puedo hacer en la vereda donde vivo. 

Hay mucho por accionar, lo sé y quiero asegurarme de que lo haré lo mejor posible. Gracias a cada ponente y colaborador que me ha ayudado a develar muchas cosas al interior del circo social, son ustedes quienes con su trabajo hacen del mundo un lugar mejor.    

ACT WITH AN HONEST PROPOSAL

Behind the knowledge contributed by each speaker there is a lot of experience and work; they have shared the best and the worst of their projects, making me feel closer and more secure in wanting to try to replicate processes and record them. We are beyond the middle to conclude the experience of the seminar, and there have been so many tools that I have taken with me, that I do not want to miss the opportunity to reflect and propose from what I can do in the village where I live.

There is a lot to do, I know that and I want to make sure that I will do my best. Thanks to each speaker and collaborator who has helped me reveal many things within the social circus, it is you who with your work make the world a better place.

Maternar y hacer teatro (intentarlo). Maternal and theatre (try).

HACER LO QUE AMAS VS LO QUE PUEDES HACER.

Desafiar todos los días al sistema capitalista generando humanidad y no ganancias, parece ser solo una frase resiliente, ante la situación que muchas madres-padres compartimos todos los días con nuestr@s hij@s, sabemos que es la sociedad la que desacompaña a la maternidad porque: "ese es el trabajo de una madre".

Una situación basada en la abnegación y en una lucha contigo misma ante lo que deseas hacer y lo que tienes que hacer, en donde siempre ganará aquello que no es inaplazable, en este caso, maternar; imagino que en un futuro será una posibilidad en donde quizá se podrá compaginar lo que amas con el criar con tanta sencillez que estas palabras estarán de más.

DO WHAT YOU LOVE VS WHAT YOU CAN DO. 

Challenging the capitalist system every day generating humanity and not profit, seems to be just a resilient phrase, in the face of the situation that many mothers-parents share every day with our kids, we know that it is society that decomposes motherhood because: "that is the work of a mother".

A situation based on self-denial and a struggle with yourself about what you want to do and what you have to do, where it will always win what is not inplace, in this case, to mother; I imagine that in the future it will be a possibility where you may be able to combine what you love with raising so simply that these words will be too much.

COMPAGINAR TODO Y NADA. LO QUE ESPERAS DE TI.

Por más que he tratado de acomodar los horarios, los tiempos de la maternidad en pandemia son otros, personales y asincrónicos por añadidura, y los del teatro parecen ser igual de exigentes, igual de vivos (imagino que como toda profesión, pero solo me he dedicado al arte) y en esa vivencia de diez y seis años en las artes escénicas, nunca había conocido las consecuencias de dejar de llevarlo a cabo, o al menos esa era una idea anquilosada en mi cabeza antes de descubrirme haciendo una cosa completamente nueva: maternar.

Estuve escuchando en una entrevista de una hermosura de proyecto: Medeas, jóvenes investigadoras de la escena, y alcancé a apropiarme de una reflexión que pro-venia de la paciencia, de escribir con tiempos y con ritmos propios, o eso quise entender: que la paciencia es importante para todo, desde tomar una pluma para hacer una critica de teatro hasta para volver al escenario o retomarlo desde esta nueva perspectiva que me da visualizar este nuevo tiempo; regalarnos ese tiempo y amar-nos siempre más, o al menos intentarlo.

COMBINE EVERYTHING AND NOTHING. WHAT YOU EXPECT FROM YOU. 

As much as I have tried to accommodate schedules, the times of motherhood in pandemic are others, personal and asynchronous in addition, and those of the theater seem to be just as demanding, just as vivid (I imagine that like every profession, but I have only dedicated myself to art) and in that ten- and six-year experience in the performing arts, I had never known the consequences of severing it , or at least that was a hooked idea in my head before I found myself doing a whole new thing: maternal. 

I was listening in an interview with a project beauty: Medeas, young researchers of the scene, and I came to appropriate a reflection that came from patience, to write with times and rhythms of my own, or that I wanted to understand: that patience is important for everything from taking a pen to make a theater critic to to return to the stage or taking it back from this new perspective that gives me to visualize this new time; give us that time and love each other more, or at least try.

NO EXISTE LA SOLUCION PERFECTA.

No tod@s hemos sido madres o padres, pero tod@s hemos sido criad@s, y es apenas en este siglo en américa latina donde parecen dilucidarse propuestas de crianza y mapa-ternidad al alcance de casi tod@s. Gracias al flujo constante de la información y la búsqueda de la misma; argumentos provenidos de la ciencia y de investigaciones comprobadas a lo largo del tiempo han demostrado que si bien no existe la solución mágica a la crianza (porque cada un@ es un@, porque aunque hay pedagogías que se promueven como las más eficientes, en el asunto de criar, no hay un solo y único camino) con respeto, acompañamiento y paciencia se pueden intentar conciliar la maternidad con aquello que amamos, que nos exige y nos complementa: maternar y hacer teatro.

THERE IS NO PERFECT SOLUTION. 

Not all of us have been mothers or fathers, but we have all been raised, and it is only in this century in Latin America that proposals for parenting and map-ternity seem to be finalised within reach of almost everyone. Thanks to the constant flow of information and the search for it; arguments from science and research proven over time have shown that while there is no magic solution to parenting (because each is one, because although there are pedagogies that are promoted as the most efficient, in the matter of raising, there is not a single path) with respect, accompaniment and patience you can try to reconcile motherhood with what we love, which demands and complements us: maternal and theatre.