El títere en el contexto de los estudios decoloniales (parte 1) The puppet in the context of decolonial studies (part 1)

 

El títere como instrumento lúdico y didáctico ofrece una perspectiva singular sobre las relaciones de poder, la opresión y las formas de resistencia dentro de las estructuras coloniales. A lo largo de la historia, los títeres han sido utilizados ya sea como medios de expresión popular y/o como herramientas de subversión, ya que permiten a los titiriteros jugar con representaciones simbólicas de figuras de autoridad, política y culturas dominantes. En muchas ocasiones, el títere ha servido para realizar críticas sociales, dando voz a los que han sido silenciados por las estructuras coloniales.

Bajo una visión decolonial, el uso de los títeres puede ser visto como una forma de resistencia cultural, ya que permite a las comunidades recuperar narrativas propias y subvertir las imposiciones coloniales. 

Los títeres, al ser manipulados por quienes controlan el espacio y el discurso, pueden convertirse en un vehículo para deshacer las lógicas coloniales de poder, de una manera más accesible, directa y lúdica. Además, al tratarse de figuras pertenecientes a un mundo imaginario, los títeres pueden facilitar el distanciamiento entre el títere y la realidad, que permite una crítica más libre y creativa a las normas sociales y políticas impuestas.

En este sentido, el arte de los títeres en los estudios decoloniales puede servir para explorar cómo las sociedades colonizadas han utilizado diversas formas de arte popular, como el teatro de títeres, para crear una contra-narrativa que cuestiona el orden establecido y afirman identidades y culturas propias.

En este caso y a manera de caso de estudio se busca desglosar las características del personaje de Lucelly, como una propuesta de títeres que busca visibilizar la importancia de dar voz a las niñas, a partir de la creación de la compañía Teatro ExPreSS sobre la obra: "Tengo un monstruo en el bolsillo” de Graciela Montes. En dónde la mirada colonial sobre las niñas, sus sentimientos y la importancia de expresarlos se vuelven el tema central.

La Obra

El texto de Graciela Montes “Tengo un monstruo en el bolsillo” fue parte de una colección de obras literarias para niñeces en edades lectoras, que editó la Secretaría de Educación Pública de México en el año 1995. Una colección llamada los libros del rincón, que eran libros que obligatoriamente se ubicaban dentro del salón de clases de las primarias públicas del país. El mensaje de obra ya rompía parámetros establecidos (antes de obtener el texto dramático) :

El personaje principal es una niña de nueve años que a manera de diario cuenta sus vivencias. La autora busca darle voz a las niñas (acaso pre-adolescentes) en la que nos muestra los primeros sentimientos de amor hacia otro personaje de su edad, la importancia del diálogo en el entorno familiar, incluso fomentado por el padre, rompiendo roles de género.

Posteriormente al convertirse en un texto dramático por parte de la compañía Teatro ExPreSS, se resaltan las siguientes situaciones que dan cuenta de la visión decolonial sobre el personaje y la obra en general: 

El personaje imaginario (el monstruo) es la metáfora hacia aquello que nos sucede y no hablamos (por pena, miedo, y porque así hemos sido educadas desde una visión patriarcal) como lo plantean en la obra porque “el monstruo” va creciendo alimentado por el silencio (y otras cosas) y en dónde la única forma de hacerlo pequeño es hablando de él, es decir hablando del problema. 

La obra cuenta con la protagonista de la obra: Lucelly y en torno a ella los personajes que acompañan sus historias: mamá, papá, abuela, profesora, Daniela y Verónica. Siendo casi una absoluta visión femenina. Busca el rompimiento de la cuarta pared y propicia aún más un acercamiento natural con el público, en dónde la reflexión se vuelve grupal y una vez más se le da voz al pensamiento de los espectadores. Se resalta en el personaje de la abuela la importancia de escuchar a las personas mayores, a fomentar entre las familias el poder dedicar el tiempo de calidad a las niñeces, escuchandoles, combatiendo con la cultura de la prisa, del consumismo y de la falta de diálogo en el entorno familiar, muchas veces ignorado por el mundo digital en el que vivimos actualmente. 

Dentro de la obra otro guiño descolonizador, por llamarlo de alguna manera, se observa a través de lo que Walter Mignolo explica sobre la estética, como ciencia de la belleza que “colonizó” la facultad de percepción sensorial. Precisamente la palabra griega aisthesis , de donde proviene la palabra estética, hace referencia a la facultad de percibir y sentir, en este caso la obra rompe con parámetros establecidos (dibujos realizados genuinamente por niñeces de 6 años, diferencias de escalas etc) Igualmente el filósofo argentino-mexicano Enrique Dussel llamó el “mito de la Modernidad”, los orígenes de la estética (y del Arte como cuestión práctica) en dónde busca visibilizar cómo se excluyeron las historias y creaciones de otras poblaciones.

The puppet in the decolonial studies (part 1)

Puppetry as a playful and didactic tool offers a unique perspective on power relations, oppression and forms of resistance within colonial structures. Throughout history, puppets have been used either as a means of popular expression and/or as tools of subversion, as they allow puppeteers to play with symbolic representations of authority figures, politics and dominant cultures. On many occasions, puppetry has served as a means of social critique, giving voice to those who have been silenced by colonial structures.

Under a decolonial vision, the use of puppets can be seen as a form of cultural resistance, as it allows communities to recover their own narratives and subvert colonial impositions. 

Puppets, when manipulated by those who control space and discourse, can become a vehicle to undo colonial logics of power, in a more accessible, direct and playful way. Moreover, as figures belonging to an imaginary world, puppets can facilitate the distancing between puppet and reality, which allows for a freer and more creative critique of imposed social and political norms.

In this sense, puppet art in decolonial studies can serve to explore how colonized societies have used various forms of popular art, such as puppet theater, to create a counter-narrative that questions the established order and affirms their own identities and cultures.

In this case and as a case study, we seek to break down the characteristics of Lucelly's character, as a puppet proposal that seeks to make visible the importance of giving a voice to girls, based on the creation of the Teatro ExPreSS company on the play: "I have a monster in my pocket" by Graciela Montes. Where the colonial gaze on girls, their feelings and the importance of expressing them become the central theme.

The text by Graciela Montes “I have a monster in my pocket” was part of a collection of literary works for children of reading ages, published by the Ministry of Public Education of Mexico in 1995. A collection called the corner books, which were books that were obligatorily located within the classroom of the country's public primary schools. The message of the work already broke established parameters (before obtaining the dramatic text):

The main character is a nine-year-old girl who recounts her experiences as a diary. The author seeks to give a voice to girls (perhaps pre-adolescents) in which she shows us the first feelings of love towards another character their age, the importance of dialogue in the family environment, even encouraged by the father, breaking gender roles.

Later, when it became a dramatic text by the Teatro ExPreSS company, the following situations are highlighted that reflect the decolonial vision of the character and the work in general: 

The imaginary character (the monster) is the metaphor for what happens to us and we do not talk about (out of sadness, fear, and because we have been educated from a patriarchal vision) as stated in the play because “the monster” grows fed by silence (and other things) and where the only way to make it small is by talking about it, that is, talking about the problem.

The play features the protagonist of the play: Lucelly and around her the characters that accompany her stories: mom, dad, grandmother, teacher, Daniela and Veronica. Being almost an absolute feminine vision. Seeks to break the fourth wall and encourages even more a natural approach with the audience, where reflection becomes group and once again gives voice to the thoughts of the spectators. The grandmother's character highlights the importance of listening to the elderly, to encourage families to devote quality time to children, listening to them, fighting the culture of haste, consumerism and lack of dialogue in the family environment, often ignored by the digital world in which we live today. 

Within the work, another decolonizing nod, so to speak, is observed through what Walter Mignolo explains about aesthetics, as a science of beauty that “colonized” the faculty of sensory perception. Precisely the Greek word aisthesis, from which the word aesthetics comes, refers to the faculty of perceiving and feeling, in this case the work breaks with established parameters (drawings genuinely made by 6-year-old children, differences in scales, etc.) Likewise, the Argentine-Mexican philosopher Enrique Dussel called the “myth of Modernity”, the origins of aesthetics (and of Art as a practical matter) where he seeks to make visible how the stories and creations of other populations were excluded.

Teatro ExPreSS celebra 20 años de hacer teatro.

Queridxs amigxs, colaboradores, y público:

Este año es un año especial. Un año que marca dos décadas de sueños, esfuerzos, luchas y, por supuesto, teatro. Veinte años no es un número pequeño; son 20 años de historias contadas desde el escenario, de historias vividas en cada ensayo, de historias que, como el buen teatro, nos han transformado y nos han unido.

Hace 20 años, un grupo de jóvenes de la Universidad Veracruzana (México) decidió dar un paso valiente, un paso hacia lo incierto, pero lleno de pasión y convicción. ¿Quién hubiera imaginado que de aquella primera actuación en el baño de la facultad surgiría un camino tan profundo y significativo? De un grupo con pocos recursos, con muchos sacrificios, nació un proyecto que, con el tiempo, se convertiría en parte fundamental de mi vida artística.

Hoy celebramos no sólo el trabajo de quienes han estado aquí desde el principio, sino también las aportaciones y el amor de todxs lxs que se han sumado en el camino, cada actriz, cada actor, cada técnico, cada espectador que ha sido parte de esta historia. Porque el teatro es un reflejo de todos nosotros: de lo que somos, de lo que sentimos, de lo que soñamos, de lo que necesitamos contar. Y ustedes, queridxs amigxs, han sido los testigxs, lxs cómplices, lxs portadorxs de esta llama que nunca se apaga.

Es un honor poder decir que juntos hemos atravesado retos, dificultades y, sobre todo, momentos de enorme satisfacción y alegría. Hemos explorado temas profundos, desafiado convenciones, experimentado nuevas formas de expresión y, sobre todo, hemos mantenido la autenticidad como nuestro faro. Porque este teatro, nuestro teatro, no depende de grandes producciones ni de fórmulas comerciales. Depende de las historias que nacen en el alma y que se comparten con quienes se atreven a escucharlas.

Hoy celebramos mucho más que 20 años de teatro. Celebramos 20 años de libertad creativa, de compromiso con nuestra comunidad, de amor por el arte. Cada uno de ustedes ha sido parte fundamental de esta historia. Sin el público, sin lxs colaboradorxs, sin lxs amigxs que nos han apoyado desde el primer día, nada de esto sería posible. Y a ustedes, les estoy profundamente agradecida.

No sabemos qué nos depara el futuro, pero sabemos que, mientras sigamos caminando, el teatro seguirá siendo nuestro lenguaje, nuestra voz, nuestra forma de conectarnos con el mundo. El futuro nos llama, y lo recibimos con la misma pasión con la que iniciamos este camino.

Gracias a todxs por ser parte de estos 20 años de magia, emoción y vida. Que los aplausos resuenen, no sólo en este momento, sino en cada corazón que este proyecto ha tocado.

¡Por el teatro, por la vida, por los próximos 20 años!

Luzelena Cortés Altamirano. Directora Teatro ExPreSS.

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Dear friends, collaborators, artists and audience:

This year is a special year. A year that marks two decades of dreams, efforts, struggles and, of course, theater. Twenty years is not a small number; it is 20 years of stories told from the stage, of stories lived in each rehearsal, of stories that, like good theater, have transformed us and united us.

Twenty years ago, a group of young people at the Universidad Veracruzana (Mexico) decided to take a brave step, a step towards the uncertain, but full of passion and conviction. Who would have imagined that from that first performance in the faculty bathroom such a deep and meaningful path would emerge? From a group with few resources, with many sacrifices, a project was born that, over time, would become a fundamental part of my artistic life.

Today we celebrate not only the work of those who have been here from the beginning, but also the contributions and love of all those who have joined along the way, every actor, every technician, every spectator who has been part of this story. Because the theatre is a reflection of all of us: what we are, what we feel, what we dream, what we need to tell. And you, dear friends, have been the witnesses, the accomplices, the bearers of this flame that never goes out.

It is an honour to be able to say that together we have gone through challenges, difficulties and, above all, moments of enormous satisfaction and joy. We have explored profound themes, challenged conventions, experimented with new forms of expression and, above all, we have maintained authenticity as our beacon. Because this theatre, our theatre, does not depend on large productions or commercial formulas. It depends on the stories that are born in the soul and that are shared with those who dare to listen to them.

Today we celebrate much more than 20 years of theatre. We celebrate 20 years of creative freedom, of commitment to our community, of love for art. Each one of you has been a fundamental part of this story. Without the public, without the collaborators, without the friends who have supported us from day one, none of this would be possible. And to you, we are deeply grateful.

We do not know what the future holds for us, but we know that, as long as we continue walking, the theater will continue to be our language, our voice, our way of connecting with the world. The future calls us, and we welcome it with the same passion with which we began this journey.

Thank you all for being part of these 20 years of magic, emotion and life. May the applause resonate, not only at this moment, but in every heart that this project has touched.

For the theater, for life, for the next 20 years!

Luzelena Cortés Altamirano. Director Teatro ExPreSS.